Художник и время

Порою, отметил Д. Мочальский, мы сталкиваемся с недооценкой образных возможностей живописи как таковой. Но профессиональный художник обязан постоянно заботиться о повышении и совершенствовании своего мастерства, пластической культуры живописи. Необходимо, чтобы новаторские процессы, происходящие в современной советской живописи, творческие эксперименты приводили к высоким результатам. В связи с этим нельзя забывать о смелом и вдумчивом развитии традиций русской живописной школы, о важности проникновенно видеть и чувствовать натуру.

В заключение Мочальский остановился на ряде организационных вопросов, творческих командировках, долгосрочных договорах, организации конкурсов, устройстве выставок, способствующих созданию масштабных художественных произведений. Особое внимание он уделил работе с творческой молодежью.

Прения по докладу Д. Мочальского свидетельствовали о глубокой заинтересованности в развитии и совершенствовании современной советской живописи. Выступавшие говорили о высокой ответственности художника-творца перед временем и народом. Об обязанности живописца говорить со зрителем языком подлинного искусства, о значении и специфике живописи, о проблемах содержательности, духовной наполненности, художественного качества произведений, о взаимовлиянии и соотношении жанров и видов искусства, о роли молодежи в изобразительном творчестве, о выставочной деятельности Союза художников, о художественном образовании. Многие выступавшие развивали положения доклада о роли собственно живописного восприятия мира в решении образного строя картины.

В наши дни зритель прекрасно понимает метафорическую линию, внутренний подтекст картины, утверждала Г. Яблонская. По ее мнению, живопись вновь набирает силу, становится ведущим видом искусства. Уже появляются и будут появляться картины, которым суждено жить долго, которые войдут в фонд нашего искусства. Важно не забывать о природе живописи как таковой: мы слишком часто встречаемся с раскрашенными, подкрашенными, не написанными, а «графическими» работами. А ведь именно живописная глубина, красочная драгоценность дает картине длительную жизнь, содержательность, приносит радость и наслаждение зрителю.

О колористическом многообразии как органичном качестве русского искусства говорил Э. Браговский. Цвет в картине подобен музыке, подчеркнул А. Амангельдыев. В цвете выражается оптимизм, народная мудрость, цвет должен быть ясным и тонким , нельзя уходить от многоцветности, пренебрегать богатством палитры, это обедняет искусство.

Проблема цвета очень важная проблема сегодняшнего дня,  сказала Д. Скулме.

   Цвет символизирует тонус нашего времени, он может воплощать радость и печаль, силу и слабость. Об этом надо думать художнику, когда он сочиняет картину. Скулме остановилась и на вопросе соотношения живописи и других видов изобразительного искусства. По ее мнению, сейчас происходит процесс их слияния. Воздействие живописи сказывается и в скульптуре, и в гобелене, и в графике, и в керамике. Героев станковых картин можно встретить в произведениях других видов искусства. Даже в керамике и гобелене ставятся философские вопросы. Скулме видит в этом знамение времени. В эпоху научно- технической революции, когда повышается роль человеческого интеллекта, в живописи появляются новые модели мышления. Скулме подчеркнула в связи с этим значение в картине поэтической метафоры, новых поисков в области содержательности формы, необходимость создания образа духовно богатого, мыслящего героя нашего времени. Сейчас художник особенно горячо должен бороться с рутиной, ставить перед собой задачи большого искусства, быть мыслителем, философом. Нежелание или неумение мыслить ведет к созданию слабых, незначительных, серых работ.